Arte

L’arte salva la terra?

Salvare il pianeta. Potrebbe sembrare il soggetto di un appassionato dibattito politico. Mentre è il centro di un numero crescente di mostre museali quest’anno, comprese le opere di vecchi maestri e mostre costruite con innovazioni high-tech, progettate per ispirare l’apprezzamento artistico e il desiderio di rispondere alle sfide ambientali. “C’è un crescendo di interesse sia per l’arte che riguarda l’ambiente e l’arte che è consapevole dell’ambiente, e penso che sia del tutto comprensibile e buona, perché attira l’attenzione su queste terribili situazioni che stiamo affrontando”, ha detto Karl Kusserow curatore di American Art presso il Princeton University Art Museum.

Il Dr. Kusserow è co-curatore di “Nature’s Nation: American Art and Environment”, che comprende dipinti, artefatti, sculture, stampe, fotografie e arte decorativa. Ha aperto presso il Princeton University Art Museum ed è ora esposto al Peabody Essex Museum di Salem fino al 5 maggio. Si concluderà al Crystal Bridges Museum of American Art di Bentonville, in Arkansas, dal 25 maggio al 9 settembre. “L’impulso è nato dalla mia preoccupazione per i cambiamenti climatici e dalla mia consapevolezza che avrei potuto colmare le mie preoccupazioni di cittadino con il mio lavoro di studioso”, ha detto il dott. Kusserow, che ha trascorso sette anni a sviluppare lo spettacolo con Alan Braddock, professore associato di Storia dell’Arte e Studi Americani al College of William & Mary. L’obiettivo della mostra, ha detto, è quello di vedere l’arte famosa e meno conosciuta attraverso gli occhiali ecologici: come l’ambiente è rappresentato nelle immagini e come viene raffigurato il luogo degli umani nel mondo.

“Chiedo alle persone di pensare in modo nuovo ed iconico”, ha detto il dott. Kusserow. Ad esempio, il famoso dipinto del XIX secolo di Albert Bierstadt, “Bridal Veil Falls, Yosemite” – una pittura lussureggiante di una delle cascate del parco nazionale – è affiancato da un’opera dell’artista Valerie Hegarty del 2007, “Fallen Bierstadt”, che mostra lo stesso dipinto di traverso, bruciato e strappato.

“Bierstadt presenta un certo modo di intendere la natura come bella e non popolata e piena di animali, e Hegarty prende la stessa immagine e la smaterializza letteralmente”, ha detto. Un altro dipinto – “Prisoners From the Front”, di Winslow Homer – è un’immagine tradizionalmente interpretata come uno scontro tra un ufficiale dell’Unione e soldati confederati. Ma il paesaggio circostante sembra sterile, e lo spettacolo si concentra sugli effetti ambientali della Guerra Civile sulla terra, che includeva la deforestazione e il consumo di colture. Era una strategia del Nord e del Sud e “aveva davvero gravi conseguenze ambientali”, ha detto il dott. Kusserow.

Il grande spettacolo primaverile della New York Historical Society, “Hudson Rising” (fino al 4 agosto), intreccia opere d’arte famose, così come acquari, volantini politici, musica e video. La mostra offre una delle mostre più complete di sempre sul fiume Hudson, con l’obiettivo di non guardare semplicemente ai cambiamenti ecologici, ma capire come il fiume “è diventato un incubatore per l’attivismo ambientale”, ha dichiarato Marci Reaven, vice presidente del museo per la storia mostre. La mostra procede cronologicamente e geograficamente dal 1800 e la costruzione del Canale Erie fino ad oggi. Mostra la bellezza dell’Hudson attraverso la vasta collezione del museo di dipinti della Hudson River School, oltre a fotografie e cimeli turistici, come manifesti degli anni ’30 che incoraggiano le persone a fare una gita di un giorno sul fiume. Ma mostra anche il bilancio che il turismo e l’industria hanno preso.

“Tutti i suoi usi e passioni entrano in conflitto l’uno con l’altro”, ha detto il dott. Reaven. “C’è una crescente consapevolezza che la regione potrebbe non essere in grado di essere tutte le cose per tutte le persone”. La mostra mette in evidenza l’attivismo nel corso degli anni per salvare il fiume Hudson. All’inizio del XX secolo, organizzazioni come club femminili e società conservazioniste hanno protestato per l’esplosione rocciosa delle scogliere di Palisades che si affacciavano sul fiume dal New Jersey e hanno contribuito a creare il parco divertimenti Palisades, che è diventato uno dei più visitati del paese. Negli anni ’60 e ’70 gli attivisti hanno combattuto, e alla fine sconfitto, un piano di Con Edison per costruire un impianto su Storm King Mountain sulla riva occidentale del fiume a New York. I visitatori della mostra possono vedere un pulsante politico giallo con lo slogan “Dig they will not … Save the Hudson” e ascoltare la canzone del cantante folk Pete Seeger “My Dirty Stream”, un’ode lamentosa al fiume inquinato. La fine della mostra sarà uno sguardo al futuro e come recuperare il fiume Hudson in risposta ai cambiamenti climatici, mettendo in mostra progetti già in corso, come le strutture a forma di barriera, conosciute come “barriere viventi”, che possono ridurre l’impatto delle onde, e aiutare a ripristinare la costa. “L’idea è di guardare a ciò che è stato risolto e quali sono le nuove sfide”, ha detto il dott. Reaven. “Qual è il fiume che ci insegna, come si svolgeranno i cambiamenti climatici nella regione e come stanno preparando le persone?”

Il Museo d’Arte dell’Università del Colorado, utilizzando le risorse a portata di mano, mostra “Documenting Change: Our Climate (Passato, Presente e Futuro), fino al 20 luglio. Comprende 70 opere d’arte di 30 artisti. Include brani di Tali Weinberg, che incorpora dati sui cambiamenti climatici e dati sulla siccità e un video di quattro ore di Peggy Weil, “88 core”, che collega le immagini di 88 carote di ghiaccio della vicina National Science Foundation Ice Core Facility.

Il Museo del clima di New York ospiterà una mostra nella sua casa temporanea su Governors Island dal 4 maggio al 31 ottobre. Il museo lo scorso anno ha installato 10 segnali stradali a energia solare che sembravano messaggi di autostrada digitale, ma ha emesso avvertenze come “Cambio Clima al lavoro”.

Dal 16 marzo al 14 giugno, il museo, in collaborazione con il Dipartimento per l’educazione della sostenibilità della città di New York, presenterà “Climate Speaks”, un programma di formazione e competizione incentrato sulla parola e la poesia legate al cambiamento climatico e alla giustizia sociale. I finalisti appariranno all’Apollo Theatre di Harlem il 14 giugno.

Il tema della Cooper Hewitt Design Triennial è “Nature”, dal 10 maggio al 20 gennaio 2020. Comprenderà 62 progetti incentrati su come designer e artisti stanno collaborando con scienziati, ingegneri, ambientalisti e altri per “trovare potenziali soluzioni – fare dei passi per salvare il nostro pianeta “, ha detto Caroline Baumann, direttrice del museo. Lo spettacolo si svolgerà contemporaneamente alla Cooper Hewitt, allo Smithsonian Design Museum di New York e al Cube design museum di Kerkrade, in Olanda, una novità per la Cooper Hewitt, ha detto la signora Baumann.

Lo spettacolo includerà una “serie di odori” dell’artista Christina Agapakis, la designer Alexandra Daisy Ginsberg e l’artista olfattivo Sissel Tolaas che ricrea gli aromi di fiori estinti attraverso il DNA tratto da campioni conservati presso l’Harvard University Herbaria. Ci sarà anche un Abito in cotone biologico del designer Jae Rhim Lee, che contiene materiali biodegradabili che abbattono anche le tossine nel corpo umano.

E all’aperto sarà “The Tree of 40 Fruit” dell’artista Sam Van Aken – un vero albero con mele, pere, prugne, pesche, ciliegie e albicocche innestate usando metodi antichi per preservare i frutti rari.

Anche se molto diverse, le mostre hanno una cosa in comune: usare una miscela di cronologia, geografia, materiali, idee e collaboratori per esprimere qualcosa che a volte può sembrare indescrivibile.

“Abbiamo un enorme desiderio da parte degli scienziati di coinvolgere un pubblico diverso e un desiderio da parte di umanisti e artisti di affrontare l’immensità dei problemi che stiamo affrontando proprio ora”, ha detto Erin Espelie, co-direttore dello studio per le arti della natura, dell’ambiente, della scienza e della tecnologia presso l’Università del Colorado. Un modo per farlo, ha aggiunto, è attraverso il museo d’arte “riunire le persone al di fuori delle affiliazioni politiche e in un ambiente diverso che consente più empatia.”

L’Arte su ruote colora le strade

Jaime Colsa è il titolare di un’azienda di trasporti che consegna beni di consumo ordinari – computer, cibo, bevande. Il contenuto dei suoi mezzi non è sicuramente accattivante, ma i suoi mezzi sono decorati con dipinti che mostrano volti simili a cartoni animati, cani, motivi geometrici dai colori vivaci, spirali e paesaggi.

Questi camion che attraversano la Spagna sono stati dipinti da artisti che fanno parte del Truck Art Project. Finanziato da Mr. Colsa, il progetto mira in parte a riportare alle sue radici la street art. Lui ha pensato, infatti, che sarebbe stato interessante e stimolante far uscire gli artisti dalle gallerie o dai musei e portarli in strada. Molti dei pittori dei camion di Mr. Colsa hanno iniziato come artisti di strada, anche se ormai espongono in importanti gallerie e musei. Come Abraham Lacalle, il cui lavoro è stato esposto al Reina Sofía Museum, che ha dipinto “l’esplosione di un camion”, ispirata al pensiero di cosa potrebbe accadere alla merce trasportata all’interno in caso di esplosione. Due anni dopo aver completato la sua opera, l’artista ha riflettuto su come, sulla base dei recenti attacchi terroristici di Nizza, Berlino, Londra e Barcellona, i camion siano stati associati al terrorismo, e sul fatto che egli, al momento della creazione dell’opera, ha espresso la sua vena creativa con umorismo; nessuno pensava in quel momento ai camion come a strumenti di terrorismo, quindi a posteriori un’opera destinata ad essere divertente potrebbe apparire involontariamente piuttosto provocante.

Il camion più recente è stato dipinto da Nuria Mora, la cui street art è stata inclusa in una mostra alla Tate Modern di Londra. Il suo camion sfoggia un’astrazione geometrica dai colori vivaci, che l’artista ha descritto come “un gioco di equilibrio e tensione”.

Il progetto Truck Art è nato nel 2013, quando Mr. Colsa ha commissionato all’artista Okuda San Miguel di dipingere un murales su un magazzino per la sua azienda, alla periferia di Madrid. A conclusione del murales, Mr. Colsa confidò a San Miguel come fosse “un peccato avere questo grande lavoro in un magazzino, che così poche persone riescono a vederlo”. La conversazione si spostò sul fatto che il dipinto avrebbe potuto essere fatto su un veicolo piuttosto che su un muro. Finora Mr. Colsa ha speso circa 300.000 € per il Truck Art Project, con la supervisione di due curatori. In un certo senso questo progetto si è ispirato ad una trentina di anni fa, quando gli artisti decoravano i treni e gli autocarri di New York. Alcuni di questi artisti si sono affermati e specializzati nella pittura su grandi superfici, come i murales sugli edifici. Ma dipingere un camion è diverso.
All’inizio la risposta al progetto è stata mista, sia da parte degli autisti che da parte di alcuni clienti. N autista, ad esempio, si lamentava con la dirigenza della compagnia, perché credeva che il suo camion fosse stato vandalizzato e spruzzato di “vernice orribile”. Ma, nel tempo, gli atteggiamenti sono cambiati. Alcuni dei camionisti non potevano comprendere che tipo di decorazione fosse stata dipinta sul loro camion, ma poi, vedendo che la gente si ferma ad osservarli quando passano e spesso li fotografa, sono contenti.

Mentre il progetto cresceva, gli artisti aderenti sono aumentati, tanto che ad oggi Mr. Colsa ha una lista d’attesa. Molti di loro sono stati attratti dal progetto per l’insolita interazione tra l’opera d’arte e gli spettatori. I dipinti generano un’esperienza molto diversa a seconda della posizione dalla quale si guardano. Normalmente lo spettatore si muove per vedere l’arte, mentre in questo modo si porta l’arte allo spettatore, in un modo inaspettato.
Gli artisti sono liberi di scegliere la loro decorazione, e possono anche scegliere tra i modelli della flotta di camion. Alcuni preferiscono un camion più piccolo, soprattutto se lavorano con colori ad olio, mentre altri volontariamente chiedono di lavorare su superfici più grandi, su camion che percorrono lunghe distanze. E’ entusiasmante immaginare come reagiscano gli altri autisti quando vengono superati in autostrada.
Al momento esiste un interesse a replicare il progetto all’estero, anche negli Stati Uniti ed in Messico.

Lo scorso giugno i primi camion dipinti sono stati ritirati, a causa dell’usura che i dipinti hanno subito nel tempo, mentre le opere più recenti avranno vita più lunga, in quanto gli artisti ora usano un rivestimento più forte per proteggere i dipinti. Si stima una durata intorno ai 10-12 anni senza bisogno di riverniciare, ma non per sempre. Questo tipo di opera è stato concepito per vivere, ma anche ad un certo punto morire.

Fiskars Village: da industria a luogo d’arte

Una notte, nei primi anni Novanta, Ingmar Lindberg, dirigente della società di utensili metallici Fiskars, famosa per la fabbricazione di forbici, coltelli e utensili da giardinaggio – era sdraiato a letto, stentando ad addormentarsi, qualcosa lo teneva sveglio; da mesi, infatti, stava cercando di escogitare il modo per stimolare il piccolo villaggio finlandese dove l’azienda era stata fondata nel XVII secolo. La città era cresciuta come centro industriale e commerciale per più di 300 anni, ma negli anni ’80, dopo che ci si rese conto che la lavorazione dei metalli non era sufficiente a sostenere un’attività globale, la società spostò la maggior parte delle proprie operazioni in strutture più grandi altrove, in Finlandia e negli Stati Uniti. Di conseguenza, molte delle fabbriche e case sono rimaste vuote e sono cadute a pezzi.

Quella notte Lindberg ebbe un’intuizione, si sedette nel letto e seppe cosa fare, capì che doveva portare gente nuova nel villaggio: designers ed artisti. Così fece un’offerta alla comunità creativa di Helsinki, che non poteva essere rifiutata, offrendo uno spazio in affitto ad un prezzo davvero ragionevole. Una volta formato un gruppo di circa 20 persone, cominciò a ricevere richieste da altri artisti, e tutto divenne facile.

Dopo più di vent’anni, si può dire che il progetto sia andato oltre le più rosee speranze di Lindberg. Circa 600 persone oggi vivono a Fiskars Village, tra queste alcuni dei talenti più creativi della Finlandia. Inclusi creatori di mobili a livello mondiale, vetrai moderni, designer di gioielli contemporanei ed artisti innovativi, uno dei quali costruisce sculture da tessuti come seta e biancheria. La città si trova a poco più di un’ora d’auto ad ovest di Helsinki e vale la pena fare una gita per visitarla. I visitatori possono prendere appuntamento per escursioni, visitare mostre e gallerie, ed acquistare pezzi presso la boutique cooperativa degli artisti. Il paesaggio offre il fascino di un luogo rurale, con i suoi laghi color cobalto, le foreste di querce, aceri e betulle bianche, come un mondo lontano da Helsinki. La strada principale è punteggiata da edifici ristrutturati di colore giallo-bruno, che ora ospitano piccole botteghe e caffè. I sentieri alberati seguono il fiume che attraversa il villaggio, portando verso le ville dei primi anni del XIX secolo, e gli edifici in legno, tra cui un laboratorio di fabbro, un granaio ed un maniscalco, ora reinventati come ristoranti e sale espositive. Le case degli artisti sono per lo più rustiche, costruite su un piano, dipinte di bianco e rosso scuro.

Uno dei primi artisti a spostarsi in questo Eden creativo fu Karin Widnäs, una ceramista famosa, premiata per i suoi moderni servizi da tavola, che possono essere trovati nei migliori ristoranti della capitale. Lei vive circa un chilometro fuori dal centro di Fiskars Village, sul lago. La sua casa triangolare a due piani ha una parte di salotto realizzata quasi interamente in vetro e si affaccia su un groviglio di alberi di betulla, che crescono in maniera selvaggia. Quando lei si trasferì, nel 1995, il villaggio stava morendo, solo la fabbrica di coltelli era ancora operativa. Ma tre anni dopo lei organizzò una mostra internazionale di ceramiche che fece molta pubblicità al luogo, tanto da invogliare altri artisti e creativi a trasferirsi.

Dall’inizio, una delle regole essenziali non scritte era che gli artisti, per potersi stabilire a Fiskars Village, dovevano compilare un modulo con la descrizione del proprio lavoro e la dichiarazione che avrebbero potuto vivere di questo. E una commissione decideva se accettare o meno la richiesta, che veniva rifiutata se si immaginava che l’artista non fosse abbastanza bravo.

Oggi ci sono lotti di terreno vuoti ma non ci sono case o appartamenti in vendita o in affitto; ancora molti artisti o imprenditori sono interessati a vivere a Fiskars Village, ed i migliori hanno qualche chance nel momento in cui ci sono posti vacanti. Un cottage con tre camere da letto si affitta per 1.000 Euro al mese, conveniente rispetto ad Helsinki ma non come nel primo periodo.

Un punto cruciale per il successo della città è che gli artisti sono in grado di vendere le loro creazioni attraverso Onoma, la cooperativa di artigiani che attualmente conta 113 membri ed ha un bel negozio sulla strada principale. Qui si trovano piastrelle in ceramica, eleganti tavoli moderni in legno, vasi colorati a forma di orbita, gioielli esclusivi, arredamento di design, sculture.

Altre realtà stanno cercando di seguire l’esempio di Fiskars Village, delegazioni sono arrivate dalla Cina e da paesi europei, nella speranza di imparare a replicare l’effetto nelle proprie realtà. Il villaggio è stato un successo perché l’obiettivo era di comunità, non di profitto. L’intenzione era di portare vita, non turisti, tutto questo non è iniziato per fare soldi, ma alla fine il risultato è andato oltre ogni aspettativa.

Wynwood: il degrado che si fa arte

Nella Miami degli anni ’70, a nord di Downtown, Wynwood era un quartiere abitato in prevalenza da portoricani, e per questo conosciuto anche con il nome di Little San Juan o El Barrio, una vecchia area industriale degradata, piena di magazzini, per lo più tessili e di scarpe, vecchie fabbriche ed edifici industriali in completo stato di abbandono.

Questa situazione rimase immutata fino agli anni 2000, quando Tony Goldman, noto imprenditore del settore immobiliare con la passione per l’arte e proprietario di una vasta area del distretto, scoprì il suo potenziale e decise di mettere a disposizione di artisti sconosciuti i muri dei magazzini abbandonati per farne un murale permanente, dando così vita al progetto “Wynwood Walls”. Per questa operazione arrivarono artisti da tutto il mondo e quello che era il quartiere “brutto anatroccolo” di Miami ben presto si trasformò in un variopinto cigno; i magazzini abbandonati divennero gallerie, luoghi dedicati all’arte, ristoranti, coffee shop, spazi creativi, concept store, collegati tra di loro dalle policromie e dalle forme. La zona è popolata da aspiranti pittori, artisti di graffiti, scultori, creativi ed innovatori.

Attualmente Wynwood è il più grande luogo di street art urbana del mondo. I murales sono di grandi dimensioni, e vengono ricorsivamente cambiati, ci sono più di 80 gallerie d’arte, perfettamente integrate con i luoghi dello svago, ed un gran numero di gallerie e negozi vengono allestiti a tempo determinato, per dare la possibilità a chi non ha capitali ingenti da investire di farsi conoscere nel mondo dell’arte.

Gli artisti di murales di Wynwood Walls sono cambiati nel tempo, ma alcuni nomi sono rimasti celebri, come Aiko, un artista giapponese che vive a Brooklyn, che realizza i murales utilizzando degli stencil da lui stesso creati. O Lady Pink, artista di graffiti equadoriana, celebre per aver decorato le metropolitane di New York per anni ed unica competitor dei suoi omologhi maschili. O ancora Shepard Fairey, divenuto famoso per il poster Obama Hope, che ha decorato non solo il Wynwood Wall ma anche gli interni del Wynwood Kitchen & Bar. Nei suoi murales, sui toni del rosso, arancio e nero, utilizza una tecnica tutta sua, con delle colle vegetali, ed illustra la cultura pop e la giustizia sociale, da Martin Luther King a David Bowie.

Durante la settimana il distretto è frequentato per lo più da studenti d’arte e da pochi turisti, ma durante il weekend si popola tantissimo, le gallerie spesso organizzano vernissage e opening proprio di sera, e durante la settimana di Art Basel Miami, i primi di dicembre, è un tripudio di gente; ovviamente, essendo un quartiere ad alta concentrazione di artisti, qui si possono incontrare personaggi molto singolari e stravaganti. Il secondo sabato di ogni mese vengono organizzate le Wynwood Art Walk, passeggiate artistiche guidate proprio da artisti locali, con itinerari che permettono di visitare gallerie, guardare i murales e sostare nei luoghi del cibo, come Wynwood Kitchen & Bar, che pure è un luogo di cibo ma soprattutto d’arte. In queste serate le gallerie d’arte prolungano il loro orario di apertura, i ristoranti e coffee shop sono gremiti, gli artisti dipingono per la strada ed una grande piazza è affollata di food trucks.

Ma a Wynwood non esiste solo la pittura, qui si manifesta l’arte in tutte le sue espressioni, qui si possono trovare proiezioni di film di qualità introvabili, qui si trova Wynwood Radio, o la Wynwood University, insomma Wynwood è arte a 360°. Inoltre, qui i collezionisti d’arte famosi espongono i propri pezzi pregiati, come le opere di Basquiat, Keith Haring, Andy Warhol ed altri, per la fruizione di tutto il pubblico, un modo di condividere l’arte conosciuto tra gli addetti ai lavori come il “modello Miami”.

Negli ultimi anni, proprio per queste iniziative di successo, gli affitti hanno subìto notevoli rialzi ed alcune delle gallerie minori hanno dovuto abbandonare il campo e spostarsi in zone più economiche.

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